domingo, 18 de junho de 2017

Sergeant Pepper’s: 50 anos e contando...

Nos anos 60 o mundo passava por grandes transformações com profundas implicações para toda a sociedade. O mundo vivia sob a sombra da guerra fria e o risco de um conflito nuclear, além de mudanças que balançavam a ordem geopolítica e envolviam toda a sorte de revoluções e conflitos armados. Nesse caldeirão havia uma juventude que acreditava na mudança através do poder da flor e do amor e buscava alternativas embalados pelo som do rock’n’roll e por drogas para expandir os limites da consciência. Imersos nesse momento e, ao mesmo tempo, se tornando um dos seus principais influenciadores, os Beatles colocam no mercado um álbum cujas implicações iriam muito além da música popular e se tornaria um marco da produção fonográfica, o “Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, que acaba de completar cinquenta anos e segue relevante.
O evento está sendo tão celebrado que pensei em não escrever a respeito, já que tem muita gente fazendo-o com propriedade. Mas depois de ver no jornal Estado de Minas uma montagem parodiando a capa do Sgt. Pepper’s com os envolvidos nos escândalos de corrupção, ficou claro que eu não podia deixar a data passar em branco, dado o impacto cultural e musical desse disco. Na época, os Beatles sofriam com a loucura que se tornou a beatlemania: gente se machucando nos shows por conta de fãs descontrolados e performances de péssima qualidade, consequência da gritaria que impedia que eles se ouvissem no palco. Decidiram então abandonar os shows para se dedicarem exclusivamente ao trabalho de estúdio.
Deram então continuidade à experimentação e sofisticação de arranjos que já havia começado no álbum anterior, “Revolver”, sem a menor preocupação de executar ao vivo as faixas. Além disso, criaram uma espécie de alter-ego, a fictícia banda do Sargento Pimenta que faria o seu “show” ao longo do disco. As temáticas das músicas são aparentemente despretensiosas: cenas cotidianas – que falam do trabalho de uma leitora de parquímetros (“Lovely Rita”) ou de alguém que reforma sua casa (“Fixing a Hole”) – ou lembranças da infância pintadas nas clássicas “Penny Lane” e “Strawberry Fields Forever”. Sobre essas últimas duas, vale uma nota. Foram as primeiras músicas gravadas para o trabalho, mas, por pressão da gravadora, acabaram lançadas em compacto – prática comum da época – e não entraram no disco, decisão da qual se arrependeriam depois.
Apesar da suposta inocência dos temas, as músicas se encadeiam com tal coesão que fizeram que o disco fosse prontamente identificado como um álbum conceitual, isto é, um trabalho que gira em torno de um tema e não é uma mera reunião de faixas. Isso era algo inédito na época e passou a ser perseguido pelos artistas. Um exemplo pode ser visto no Brasil. Caetano, Gil, Mutantes e companhia estavam trabalhando no disco “Tropicália”, que reuniria algumas faixas de cada participante. Após o lançamento de Sgt. Pepper’s, os planos foram revistos e o lançamento adiado para que pudessem trabalhar em um disco que tivesse conexão do começo ao fim. Além disso, Sérgio Dias dos Mutantes admitiu que o arranjo de sopros de “Panis et Circenses” são inspiração direta do trompete de “Penny Lane”.
No plano cultural, sua estética psicodélica veio a calhar com o momento em que nascia o movimento hippie e começava o “Verão do Amor” de 67, fazendo com que o disco estendesse sua influência para esferas além da música, como a moda e as artes plásticas. Em suma, é difícil falar em um espaço de uma coluna de jornal sobre um disco que já rendeu documentários, livros e teses de doutorado. Mas eu tento resumir porque vale a pena ouví-lo com cuidado: são os Beatles em um pico de criatividade, trabalhando juntos e em perfeita sintonia e com o suporte um produtor talentoso (George Martin) em um trabalho que influenciou toda a música e artes modernas. É difícil chegar ao fim do disco sem sair maravilhado com o que pode ser feito com criatividade e apenas um modesto gravador de quatro canais.
(Publicado no Jornal das Lajes, junho de 2017)

sábado, 10 de junho de 2017

O Bruxo

No mês de abril acabou me passando desapercebido que esta coluna completou três anos no Jornal das Lajes, fato que só tenho a comemorar e mais uma vez agradecer ao JL a oportunidade para falar sobre música, a arte que faz parte de nossa vida de uma forma muito intensa. Nesse tempo falei de muita coisa interessante que ouvi ou li por aí, porém, me dei conta de uma omissão séria em termos de assunto: a música instrumental. A música instrumental brasileira reflete o caldeirão cultural que é nosso país: ao mesmo tempo, é fortemente influenciada pelo improviso do jazz americano, o rigor clássico europeu, a complexidade dos ritmos africanos e toques regionais que vão das sonoridades gaúchas à música nordestina. E para falar da riqueza desta música creio que não há artista que resume melhor essa diversidade do que Hermeto Pascoal, o “bruxo”, como é chamado por muitos.

Hermeto é daqueles músicos de talento inato. Despertou para arte ainda criança, dedicando-se ao acordeão e percussão, para se tornar um multi-instrumentista que domina o piano, flauta, saxofone e o que vier pela frente. Após passar por orquestras de rádio, tocar em boates e alguns grupos, participou em 1966 da fundação do inovador Quarteto Novo, em companhia de Heraldo do Monte (viola e guitarra), Théo de Barros (baixo) e Airto Moreira (bateria). Esse grupo é lembrado por acompanhar diversos músicos nos anos de ouro dos festivais. Afinal, foram a banda de apoio das icônicas “Ponteio” de Edu Lobo e Capinan e “Disparada” de Geraldo Vandré e Théo de Barros. Porém, o Quarteto Novo é reconhecido por ter trazido para a música instrumental brasileira, até então apoiada nas harmonias do jazz americano e da bossa nova, uma linguagem com forte influência do Nordeste. Infelizmente o grupo teve vida breve e apenas um disco homônimo lançado. Ele se desfez e seus integrantes seguiriam para carreiras solo nas quais tiveram amplo reconhecimento e com Hermeto não foi diferente. Em passagem pelos Estados Unidos impressionou, entre outros, Miles Davis, que gravou duas de suas músicas. A partir daí o prestígio de Hermeto foi aumentando cada vez mais e ele se tornou uma referência na música instrumental mundial.

Por esses dias tive o prazer e o privilégio de assistir a um show da nova turnê de Hermeto que celebra os seus 80 anos. Hermeto Pascoal é uma figura que por si só já chama atenção quando sobe ao palco: com sua vasta cabelereira e barba parece um personagem saído de quadrinhos alternativos dos anos 60 de Gilbert Shelton ou Robert Crumb. Mas é quando a música começa que se tem noção da grandeza e universalidade do seu som. Se você fechar os olhos a sensação é que está rolando no palco um encontro de John Coltrane, Miles Davis, Chick Corea, Villa Lobos, Tom Jobim, Sivuca e Luiz Gonzaga. A música é intensa e combina belos temas com improvisos inspirados. Aliás, a improvisação e as surpresas são a marca do show, pois Hermeto desafia seus músicos todo o tempo a criar dentro do palco. Curiosamente, Hermeto trabalha durante o show como um maestro, regendo seus músicos com seu corpo, seu chapéu ou sua música mesmo. Mas, mesmo fazendo questão de conduzir o som e o show com uma coesão incrível, Hermeto dá plena liberdade para seus músicos voarem alto, seja em grupo ou em improvisos solos. Naturalmente, isso só é possível pois ele se cerca de músicos de primeira linha. Ainda assim, ao final de uma música ou de um improviso desafiador, Hermeto se dirige paternalmente ao músico para cumprimentá-lo com um abraço ou um tapinha nas costas.

Resumindo, a música de Hermeto Pascoal é poderosa. Não conhece limites e não se prende a fórmulas, porém, sem perder de vista, mesmo nos improvisos mais ferozes, os seus belos temas e melodias. E, talvez justamente por não ter limites, a música é universal e com admiradores nos quatro cantos do mundo, mas sem perder o seu pé no Brasil e no Nordeste. Não há nome melhor para se lembrar quando se fala da riquíssima música instrumental feita no Brasil.

(Publicado no Jornal das Lajes, maio de 2017)