quarta-feira, 15 de novembro de 2017

“Vida difícil de levar”

Seguindo com os bons lançamentos do ano, vou pegar carona na última coluna na qual mencionei o Coletivo Casazul. O disco da vez é de outro artista que faz parte do coletivo, o Luiz Gabriel Lopes, que trouxe à luz o álbum “Mana”. Eu o conheci quando assisti ao lançamento do seu disco “O Fazedor de Rios” e fiquei impressionado com o seu trabalho de compositor – vale destacar a qualidade de suas letras e melodias – e no palco também. Comecei a seguir mais de perto sua produção e a outra surpresa foi a extensão do seu trabalho não só solo, mas com outros grupos.
Luiz Gabriel leva vários trabalhos em paralelo, com destaque para o grupo “Graveola e o Lixo Polifônico” (ou só Graveola mesmo) e o trio “Tião Duá”, além de participação em discos de outros artistas ou mesmo como produtor. Seguindo suas movimentações nas redes sociais, logo se percebe que é um artista que está em constante movimento, tocando em todos os cantos do Brasil e até em excursões para o exterior. E nessa agitação ainda sobra tempo para mais um trabalho solo de qualidade, o “Mana”. O disco, que guarda similaridades com “O Fazedor de Rios”, mostra que Luiz Gabriel tem um trabalho bastante coerente e com uma marca pessoal bem nítida.
Analisando o trabalho de artistas da chamada “nova MPB” e que tiveram algum sucesso comercial, eu fico com uma sensação de que o que predomina é a leveza e doçura das canções. Ambas são importantes e necessárias, afinal, também é função da música nos fazer esquecer das amarguras da vida de vez em quando. Porém, há horas nas quais penso que falta um pouco de energia para que as composições não descambem para a irrelevância e acabem sendo chamadas, na melhor das hipóteses, apenas de “fofinhas”. Luiz Gabriel, por sua vez, consegue fazer um disco que predomina a leveza, mas com músicas que promovem um casamento muito interessante de melodia, ritmo e letra que trazem peso e relevância ao conjunto. Em outras palavras, é o tipo de música que, ao mesmo tempo, faz o seu corpo se mexer com a pulsação, mas também te faz prestar atenção na letra e pensar. Diga-se de passagem, uma combinação que poucos artistas conseguem fazer com frequência e o melhor exemplo talvez seja Gilberto Gil.
Sobre o disco em si, é um trabalho autoral e Luiz Gabriel só não assina uma das faixas, “Matança”, de Augusto Jatobá. O instrumental é econômico, mas de ótimo gosto. Contando, na maioria das faixas, com somente bateria, contrabaixo, flauta e sua guitarra ou violão, Luiz Gabriel mostra mais uma vez que sabe conduzir os arranjos e tirar um ótimo resultado dessa formação enxuta e entrosada. Tal como eu já havia observado em “O Fazedor de Rios”, Luiz Gabriel não se prende a estilos e o disco desfila vários ritmos, do baião a uma tradicional balada, mas sem perder a coerência ao longo do álbum ou soar confuso. Finalmente, é justamente essa coerência que me atrai pelo gosto de se ouvir um álbum que passa longe de ser só um apanhado de canções mas, ao contrário, tem algo que conecta as canções, ainda que seja difícil definir o que traz essa unidade.
Sobre a produção do disco, Luiz Gabriel apostou de novo no financiamento coletivo com recompensas interessantes que incluíam até shows particulares para os mecenas mais generosos. O resultado é mais um trabalho produzido na raça por um artista que sabe se virar. Como citei antes, nas redes sociais logo se vê que, como diz a música, o artista vai aonde o povo está. Com uma agenda agitada, Luiz Gabriel está sempre na estrada, seja com banda ou só com seu violão. E não nos resta nada senão aplaudir o artista que, mesmo tão jovem, já tem uma produção digna de nota e apoiar a sua batalha em um país que prefere reclamar da música empurrada pelos grandes veículos ao invés de se antenar no que está acontecendo no bar ou no pequeno teatro. Como o próprio Luiz Gabriel canta na faixa “Música da Vila”, “vida fácil de artista é difícil de levar”. E que ele siga na luta.
(Publicado no Jornal das Lajes, novembro/2017)

domingo, 29 de outubro de 2017

Destinos musicais: Liverpool

Há um tempo atrás, escrevi sobre cidades que têm por atração turística a música. Na ocasião falei de Conservatória, a cidade da seresta que fica na Mantiqueira fluminense onde já fui duas vezes. Recentemente pude realizar um grande sonho e visitar outra cidade fortemente ligada à música: Liverpool. Quem me conhece ou já leu meus textos por aqui sabe o que os Beatles representam para mim. Muito mais do que admirador, sou um beatlemaníaco, como se diz por aí. Conheci os Beatles ainda bem novo com uma fita cassete gravada por minha tia Rejane, a quem até hoje chamo de “culpada” por essa paixão. Foi amor à primeira audição. Aquele som mexeu comigo de tal maneira que entrei em um caminho sem volta.

Da fita, que se enroscou no toca-fitas de tanto uso, fui atrás dos discos e não parei até ter a discografia completa do grupo. Esse fascínio que os Beatles causam é difícil de explicar, mas, como vou direi mais à frente, é algo que atravessou gerações e ainda continua forte. Liverpool é uma cidade portuária e sempre teve importância histórica e econômica para a Inglaterra. Hoje em dia, entretanto, a história milenar da Inglaterra fica ofuscada pelos últimos sessenta anos, quando aqueles rapazes se conheceram e começaram a tocar ainda adolescentes e ganharam o mundo. Sonho de todo fã, a cidade respira Beatles e estima-se que o turismo ligado ao quarteto injeta anualmente na economia local um bilhão e meio de dólares.

Mais do que ser somente a cidade natal dos “quatro fabulosos”, Liverpool tem uma relação muito estreita com a sua música. Assim, todo beatlemaníaco quer conhecer Penny Lane e tentar entender como um tema aparentemente corriqueiro, um dia típico de uma rua com seu barbeiro, transeuntes e o bombeiro que limpa seu caminhão, rendeu uma canção tão especial. Ou imaginar o que significavam as memórias daquele muro e o portão vermelho de Strawberry Fields, um orfanato próximo à casa de John Lennon. E na verdade não há o que se entender. São a vida e as memórias que acompanharam os artistas. Uma vez em Liverpool pode-se conhecer as atrações por conta própria, de ônibus ou carro, ou se encaixar em alguns dos passeios de algumas horas que visitam esses e outros lugares, como as casas onde os Beatles nasceram ou viveram e suas escolas. O ponto alto da “peregrinação”, na minha opinião, é o lendário Cavern Club, o clube associado ao começo da carreira, quando eles começaram a ficar famosos.

No Cavern Club os Beatles tocaram por noites a fio, às vezes em mais de uma apresentação por dia (foram 292 performances entre 1961 e 1963), inclusive quando suas primeiras músicas já estavam estouradas no rádio e nas vendas. A casa se tornou um ícone e, a partir de então, atraiu shows de outros artistas que despontavam nos efervescentes anos 60. A casa, que lembra uma cave de vinhos e fica no subterrâneo a dois andares abaixo do nível da rua, foi desmanchada em 1973, por conta de uma obra pública do metrô da cidade. Anos mais tarde os planos mudaram e foi possível reconstruir o local, mantendo sua planta e reutilizando boa parte dos tijolos originais para a felicidade dos fãs. Hoje é um bar agitado, onde a música começa ainda de tarde e não fica sem uma banda tocando até altas horas da noite. A plateia é a prova do que eu disse antes: várias gerações reunidas, desde os que viveram os anos da beatlemania até adolescentes. Em um dos dias em que estive lá fiquei impressionado com a empolgação de um grupo de senhoras idosas que dançaram e cantaram ao som das músicas que provavelmente embalaram sua juventude. Em suma, é o lugar ideal para se celebrar tudo de belo que aqueles rapazes, que um dia chocaram o mundo com suas cabeleiras, produziram e nos deixaram de legado.

Não bastasse tudo isso, Liverpool é uma cidade interessante e com atrações não ligadas aos Beatles como museus, igrejas, uma bonita zona portuária revitalizada e o futebol do tradicional time que leva o nome da cidade. De quebra, nos finais de semana tem uma vida noturna agitadíssima e bons bares e restaurantes. Diversão garantida e, é claro, boa música. Boa não. A melhor. “Roll up for the mistery tour”.

(Publicado no Jornal das Lajes, dezembro de 2015)

Arte coletiva e as autoras desnudadas


Trabalhos coletivos de músicos fazem parte do nosso cenário artístico há tempos. Antes de começar, vale fazer uma distinção entre o trabalho de uma banda e o coletivo. Adianto que essa distinção é um julgamento meu e pode estar sujeito a discussões. Uma banda é constituída de músicos trabalhando juntos, sob a mesma “bandeira”, embora normalmente possuam dinâmicas e papéis bem definidos. O Mick Jagger ou Keith Richards se comportam de forma distinta quando nos Rolling Stones ou quando atuando sozinhos. Em um coletivo também temos artistas trabalhando juntos, porém, o resultado é mais individual. Cada música tem a cara do artista e não necessariamente do grupo. Os artistas se ajudam, compõem juntos, participam uns das gravações e shows dos outros, mas preservam o seu traço mesmo em álbuns coletivos.

No Brasil vários trabalhos coletivos se notabilizaram: o álbum “Tropicália” de Caetano, Gil, Gal, Mutantes e outros talvez tenha sido o primeiro trabalho de destaque construído explicitamente nesse espírito. “Tropicália” inicialmente seria um disco com algumas músicas de cada artista. Porém, pouco antes do lançamento veio o “Sergeant Pepper’s” dos Beatles, trazendo a ideia do álbum conceitual e Caetano, Gil e companhia resolveram dar uma cara diferente para o disco e contar uma história com as canções. Ainda assim, ao se ouvir fica claro quem é quem. Outro coletivo importante viria a ser o álbum “Clube da Esquina”, fruto do trabalho de Milton Nascimento, Lô Borges, Beto Guedes e outros bem sintonizados entre si nas letras e músicas. Deixando de lado o fato de ser verdadeiramente um grupo, o estilo de vida dos Novos Baianos (Moraes Moreira, Baby Consuelo, Paulinho Boca de Cantor, Luiz Galvão e Pepeu Gomes) talvez os coloque na categoria de coletivo, já que viviam todos juntos no mesmo espaço. Por fim, o movimento da Bossa Nova não deixa de ter um quê de coletivo, tendo em vista a interação de todo o grupo nas composições, shows e discos.

Nos últimos dias um trabalho de criação coletivo me chamou a atenção, a Amostra Nua de Autoras, ou A.N.A. Nascido com o objetivo de divulgar o trabalho de novas compositoras, o coletivo A.N.A. se lançou com um espetáculo e o disco com o próprio nome. A nossa música brasileira sempre teve grandes vozes femininas na liderança como Elis Regina, Gal Costa, Marisa Monte e tantas outras. Porém, quando se fala de composição, o mundo que nos vem à cabeça é bem mais masculino: Tom Jobim, Chico Buarque, Djavan e por aí vai. Assim, não deixa de ser surpreendente uma reunião de oito cantoras e compositoras. Mais surpreendente, porém, é o resultado e a qualidade do trabalho. O grupo é formado por Deh Mussulini, Laura Lopes, Luana Aires, Irene Bertachini, Michelle Andreazzi, Luiza Brina, Leonora Weissmann e Leopoldina. Só conhecia até então o trabalho de Irene Bertachini, que lançou o ótimo disco autoral “Irene Preta, Irene Boa” no qual mostra um trabalho maduro e de ótima qualidade nas composições, além de bela voz. Aliás, no A.N.A. todas assinam composições e lideram vocais. E falando em vocais, ponto para os belos arranjos presentes em todo disco.

O trabalho do A.N.A. pode ser conhecido no Soundcloud (https://soundcloud.com/coletivo-ana). No Soundcloud pode-se também garimpar o trabalho solo das oito cantautoras e na Rádio ANA (https://soundcloud.com/coletivo-ana/sets/r-dio-ana) há várias músicas das integrantes. Além disso, no perfil de cada uma pode-se explorar o que andam produzindo. Estou ainda pesquisando e ouvindo com atenção e tem sido uma descoberta mais do que prazerosa. E se você, leitor ou leitora, quiser descobrir junto, irá concordar que a música brasileira vai bem, obrigado.

(Publicado no Jornal das Lajes, julho de 2014)

quarta-feira, 11 de outubro de 2017

Revoada de música boa

Eu disse na minha última coluna que o ano está quente em termos de lançamentos e vou continuar comentando aqui o que tenho ouvido de bom. Desta vez vou comentar um lançamento da mais alta categoria: “Revoada” de Irene Bertachini e Leandro César. Antes de apresentar do disco, faço primeiramente algumas observações sobre o Coletivo Casazul.
O Coletivo Casazul (visite www.coletivocasazul.com), mais do que uma reunião de artistas, também é um espaço que conta com estúdio e de onde têm saído trabalhos autorais impressionantes, inclusive alguns que já comentei aqui ou na página da Trilha Sonora no Facebook (@TrilhaSonoraBR). Os artistas colaboram nos discos uns dos outros e produzem discos solos ou em conjunto. Dada a qualidade, volume e consistência da música que está sendo produzida ali, talvez o coletivo possa ser chamado, no futuro, de “movimento”. Irene e Leandro fazem parte do coletivo e esse lançamento confirma a qualidade sobre a qual estou falando.
Irene Bertachini é o que se pode chamar de artista completa: compositora, ótima violonista e flautista e dona de uma voz lindíssima. Já sigo o trabalho dela junto ao coletivo “Amostra Nua de Autoras” e o solo também. 0uça o excelente “Irene Preta, Irene Boa” para o qual só tenho elogios. Leandro César, além de multi-instrumentista se dedica à experimentação e criação de instrumentos. Já ouvia bastante outro trabalho com a participação dele – o grupo Ilumiara e o seu ótimo disco homônimo – e tinha ideia da qualidade de seus arranjos e como instrumentista. A parceria foi extremamente feliz e produziu um disco de altíssimo apuro instrumental e arranjos de primeira, a maioria assinada por Leandro. O vocal fica a cargo de Irene, com sua voz precisa, cristalina e interpretação que sabe o momento de ser delicada ou incisiva, apesar de que este disco esteja mais para o delicado. Em tempos de mp3 tocando em sequência aleatória, ou de listas pré-estabelecidas pelas plataformas de streaming, é sempre uma satisfação ver artistas se dedicando a construir um álbum com canções que se encadeiam e se completam para serem ouvidos na íntegra.
 Quando falo em álbum, vale destacar o belo trabalho das capas e encarte que contam com um trabalho gráfico muito legal e algo bastante curioso. Mais do que a conexão subjetiva entre as canções e arranjos, há um fio que conecta todas as páginas do encarte, ligando fisicamente as canções da capa à contracapa. Voltando às músicas, Irene e Leandro assinam quase todas as faixas com parcerias entre si ou outros compositores. O convidado que aparece com destaque é o carioca Thiago Amud, um compositor da nova geração, que merece ser escutado e que assina duas faixas e canta em uma delas.
Nesses dias de composições fáceis, monopólio comercial de um estilo e artistas de uma só música, um disco do naipe de “Revoada” é um oásis de criatividade. E é também uma linha de resistência de um tipo de música que um dia foi regra no nosso país e hoje é quase exceção, lutando como uma “guerrilha” promovida de forma independente. Falando em disco independente, esse foi gravado através de um convite de um centro dedicado à música ibérica em Portugal. Entretanto, ao que parece estar virando regra para trabalhos do tipo, contou com uma campanha de financiamento coletivo para ser finalizado. Então não se pode deixar de louvar também a coragem dos artistas, não só por propor um tipo de música que tem passado longe do sucesso comercial, mas também por se empenhar em um projeto de tal envergadura, trazendo à luz um trabalho complexo, que é irretocável das músicas ao trabalho do encarte. Disponível nas plataformas digitais de streaming e até no Youtube, não há desculpa para não ouvir “Revoada”. Mas ainda assim recomendo conhecer o CD e seu belo encarte, que acrescentam um gosto extra na audição.
(Publicado no Jornal das Lajes, outubro de 2017)

domingo, 1 de outubro de 2017

Ano cheio de música boa

Nas últimas colunas falei de clássicos porque não podia deixar passar em branco datas como o aniversário do Sgt. Pepper’s. Agora é hora de falar de novidade, já que 2017 tem trazido muita coisa boa para nossas vitrolas. De fato, andei ouvindo tanta coisa bacana que devo gastar algumas colunas para comentar tudo. Para começar vou falar do lançamento de um disco bastante surpreendente: o belo e original “Caipira”, de Mônica Salmaso, dona de uma voz incrível.
Mônica Salmaso é uma veterana com ótimos discos na bagagem e, como disse antes, uma cantora de primeiríssima linha. Se não conhece seu trabalho, recomendo começar pela releitura dos Afro-Sambas de Vinícius e Baden Powell, que ela fez em parceria com o grande violonista Paulo Bellinati. Cerca de três anos após o último disco, o excelente “Corpo de Baile” (onde interpreta peças da parceria de Guinga e Paulo César Pinheiro), ela lançou recentemente “Caipira", um álbum onde ela visita paisagens rurais. E foi justamente o tema escolhido que fez o disco tão original. Mônica andou por esse ambiente, bastante diferente do Rio de Janeiro que normalmente eu associaria a ela, imprimindo o seu estilo e sem resvalar para lugares comuns como forçar a roupagem das músicas para associá-la ao universo rural. Apesar da economia de instrumentos nos arranjos, eles são de muito bom gosto e têm a cara de outros trabalhos da artista. Além disso, casam perfeitamente com a bela voz e as excelentes interpretações, que alguns vão dizer que não pertencem ao universo caipira – e com razão – mas que eu julgo como um dos pontos altos do disco.
Claramente, apesar do nome do álbum, ela não queria fazer um disco de música caipira, no sentido que se esperaria do termo nos dias de hoje, muito usado para distinguir o trabalho de artistas sertanejos tradicionais daquele gênero que se estabeleceu nos anos 90 e de viés mais romântico. A temática do disco é com certeza um lugar longe do centro urbano, mas com um toque bastante original na escolha do repertório. Mônica promoveu uma excelente mistura de músicas caipiras tradicionais, como a moda “Minha vida” de Vieira e Carreirinho, o causo cantado “A velha” de Zezinho da Viola ou “Saracura três potes” de Téo Azevedo, com composições de, quem diria, Gilberto Gil, Nana Caymmi e os sambistas Cartola e Dudu Nobre. E a mistura funcionou muito bem, com Mônica botando sua voz a trabalho das canções de forma muito feliz. Sua interpretação cristalina, aliada ao instrumental que conta com nomes de peso como Proveta no Sax e Clarineta e Toninho Ferragutti no Acordeon, valorizou demais a beleza das melodias.
As músicas caipiras ditas “de raiz” ganharam uma interpretação bastante respeitosa e saíram ganhando com a possibilidade de se ouvi-las com outro sotaque e com o toque pessoal de Mônica Salmaso que, como disse, consegue dar um destaque e tanto para as melodias, valorizando-as. Ainda sobre o repertório, Mônica foi bastante cuidadosa na escolha das músicas vindas de fora do universo caipira tradicional, de forma que preservou a temática do disco. Além dos já citados Gil, Cartola e Dudu Nobre, ela mostrou belas peças de autores como Rafael Alterio – que sempre gosta de mostrar seu gosto pela temática caipira ao lado de Ivan Lins – ou os veteranos Sérgio Santos e Roque Ferreira.
Ao fim, o resultado é um disco lindíssimo, de bom gosto e bastante coeso. Mônica Salmaso mostra mais uma vez a qualidade da sua voz e interpretação, ambos irretocáveis, em um trabalho bastante original na escolha do tema e repertório e que traz um novo olhar ao universo caipira e rural. Embora possa se dizer que Mônica tem um pé bem plantado no mundo urbano, ela passeou com naturalidade nesse outro cenário e fez uma leitura bastante pessoal e que vale cada minuto da audição. O ano está quente de música boa e nas próximas colunas vamos continuar a falar de outros trabalhos que estão saindo do forno.
(Publicado no Jornal das Lajes, setembro/2017)

domingo, 27 de agosto de 2017

Gravadoras lendárias

Os mais jovens não vão se lembrar, mas houve um tempo em que se comprava música em discos ou fitas. Ou se aguardava ansiosamente para ouvir a música favorita no rádio. Naqueles tempos, quando copiar uma música era um processo demorado e não muito barato (fitas boas não eram tão acessíveis, além de comportar no máximo 90 minutos), quem ditava o rumo da indústria musical eram as gravadoras e selos com seus esquemas de distribuição e divulgação (inclui-se aí o nefasto “jabaculê”, que envolvia pagamentos e presentes aos canais de rádio e TV para favorecer algumas músicas).

Se desde um bom tempo o que guia o trabalho dos artistas das grandes gravadoras é o retorno financeiro, houve uma época na quala qualidade artística era o critério principal para se decidir o lançamento de um álbum ou compacto. Algumas gravadoras se tornaram lendárias por serem dirigidas por quem entendia de música e, sem deixar o lucro de lado, tinha a sensibilidade para saber o que era música boa. Tempos em que diretores e produtores percorriam casas de show atrás de novos talentos e do próximo sucesso. Invariavelmente, essas gravadoras colocavam à disposição dos seus artistas produtores brilhantes, músicos de estúdio competentes e compositores consagrados. Entre essas, podemos citar as estrangeiras Atlantic Records, Chess Records e a Tamla Motown. No Brasil tivemos a EMI-Odeon, a Philips/Phonogram e a Elenco.

A Atlantic foi fundada pelos irmãos turcos radicados nos EUA Ahmet e Nesuhi Ertegun. Nos anos 50 se notabilizou pelos trabalhos de jazz, Rhythm & Blues e soul. Nesse período, teve no seu time artistas como Aretha Franklin, Ray Charles e Otis Redding. No final dos anos 60 abraçou o rock e foi a gravadora que lançou o Led Zeppelin, o trio Crosby, Stills & Nash (e depois quarteto, com Neil Young) e ainda contou com artistas como o The Cream (cujo álbum histórico “Disraeli Gears” foi gravado nos estúdios da Atlantic em Nova Iorque) e o Yes. A Atlantic trabalhou com produtores do calibre de Phil Spector, Tom Dowd e a dupla Jerry Lieber e Mike Stoller, os autores de clássicos como “Hound Dog”, “Stand by Me” e “Jailhouse Rock”.

A Chess foi fundada pelos irmãos Phil e Leonard Chess em Chicago e é creditada pelo resgate do blues americano nos anos 50, além de abrir as portas para artistas negros nos primórdios do rock, como Chuck Berry. Nos anos 50 e 60, com o panorama da música pop em mudança, a Chess promoveu nomes do tradicional blues como Howlin’ Wolf, Muddy Waters e Willie Dixon. A influência desses artistas chegaria ao outro lado do Atlântico, causando uma revolução no rock inglês com a “eletrificação” do blues promovida por Eric Clapton, os Rolling Stones e outros. Os Stones inclusive pagariam um tributo aos mestres gravando um disco no estúdio mais famoso da Chess, localizado no número 2120 da South Michigan Avenue. Do time de músicos de estúdio da Chess ainda saiu o núcleo do renomado Earth, Wind & Fire.

Um traço comum a esses selos era o fato de que os seus donos se envolviam profundamente na seleção de artistas e produção dos trabalhos. Porém, à medida em que a música pop se tornava um negócio milionário, esse panorama foi se alterando. Os custos crescentes para divulgação, distribuição de discos e assinaturas de contratos naturalmente empurraram esses selos para os braços de corporações maiores como a Warner, que comprou a Atlantic. Gradualmente a liberdade artística foi substituída pela busca de fórmulas mágicas que garantissem o sucesso instantâneo de músicas e novos artistas. E produtores e diretores que conheciam música foram trocados por executivos engravatados preocupados só com os números financeiros. Tempos tristes para a música.

Aqui no Brasil também passamos por transformações parecidas: de tempos nos quais álbuns sem compromisso comercial algum, como o “Clube da Esquina”, ainda eram lançados para dias de música quase padronizada. Mas essa história fica para outra oportunidade, assim como a de outra gravadora lendária que virou praticamente adjetivo do som que produzia, a Motown. Que 2016 seja um bom ano para todos e para a música.

(texto publicado no Jornal das Lajes, janeiro de 2016)

sábado, 19 de agosto de 2017

De rock também vive a viola

O ano de 2016 começou animado com o lançamento de discos. No último dia 17 de janeiro a dupla de violeiros Ricardo Vignini e Zé Helder lançou o álbum Moda de Rock II, de viola instrumental. Viola no rock? Isso mesmo. E a mistura dá liga e é saborosa. O Moda de Rock é um trabalho que estreou em 2011, quando os violeiros resolveram trazer para a linguagem da viola caipira uma paixão comum, o rock. No primeiro disco a dupla apresentou clássicos como “Kashmir” (Led Zeppelin), “Kaiowas” (Sepultura) e “In the Flash” (Pink Floyd). Mais do que simplesmente versões executadas na viola, eles primam por incorporar aos arranjos os ritmos tradicionais de viola como o cururu, cateretê e o pagode de viola, promovendo uma verdadeira fusão dos estilos. A combinação deu certo e agradou, fato que rendeu à dupla diversas aparições em programas de TV, além de centenas de shows que contaram até com participações de guitarristas consagrados como Pepeu Gomes, Kiko Loureiro e Andreas Kisser.
E agora, cinco anos após o sucesso do primeiro disco, eles surpreendem com outro álbum excelente no qual retomam a fórmula viola-rock, mas sem se repetir ou parecer mais do mesmo. Falando primeiro do lançamento, assisti ao show no Teatro Paulo Autran em São Paulo e já fiquei feliz por ver casa cheia e saber que ainda tem muita gente que sai de casa para assistir a um show de música instrumental. E de viola caipira, em plena metrópole de concreto de São Paulo. A dupla desfilou virtuosismo e entrosamento em um show de primeira, com direito à participação especial do lendário Robertinho do Recife. Sobre o disco, o mais importante de que se pode dizer é que talvez tenha sido até mais corajoso do que o primeiro, já que a dupla colocou um pouco mais de peso no repertório com a escolha de vários clássicos do Heavy Metal.
Quando se pensa em viola caipira, em um primeiro instante vem à lembrança seu caráter melódico, solos sentidos e cheios de emoção, fato que casa muito bem com baladas de rock, que a dupla soube explorar em versões de “Laguna Sunrise” (Black Sabbath), “I Want To Break Free” (Queen) e “Why Worry” (Dire Straits). Essa última virou uma toada na viola, e a conexão dos estilos ficou clara no show, com um belo incidental instrumental de “Chico Mineiro”. A viola, porém, tem também um outro lado de instrumento de acompanhamento rítmico e sua tradição carrega ritmos vigorosos como o pagode de viola, o chamamé e o recortado, que incorporam elementos de efeito percussivo como o rasqueado, de origem ibérica, e o abafamento das cordas com a própria mão do ritmo. Ritmos complexos, mas que os violeiros Vignini e Zé Helder executam com perfeição e conferem peso ao juntar a viola com o Heavy Metal de “Refuse/Resist” (Sepultura), “Raining Blood” (Slayer), “Thunderstruck” (AC/DC) ou “Wasted Years” (Iron Maiden). Além disso, a dupla ousa em arranjos complexos e ricos como “Diary Of a Madman” de Ozzy Osbourne.
A beleza e originalidade das versões, porém, não poupam os artistas de críticas e, volta e meia, eles são atacados por fãs mais radicais de um estilo ou outro. Os caipiras, que não aceitam a viola se prestando para música de gringo, ou roqueiros que não admitem outro instrumento que não guitarras distorcidas. Felizmente, estes “fundamentalistas” são exceção, como eu mesmo pude testemunhar em outro show da dupla, que reuniu na mesma plateia a turma do chapelão, no melhor estilo Tião Carreiro, e os metaleiros com suas tradicionais camisas pretas. Afinal, que instrumento melhor do que a viola para fazer uma ponte entre extremos aparentemente irreconciliáveis? A viola tradicionalmente sempre conviveu entre opostos, como o religioso e o profano, ou Deus e o Sem Nome. O mesmo violeiro que louvava os santos em festas religiosas era quem agitava os bailes e recorria a pactos com o Coisa Ruim para apurar sua técnica. E assim Ricardo Vignini e Zé Helder mantêm a tradição fazendo uma ponte bonita e original da nossa viola com rock. Para se conferir e não se arrepender.
(Texto publicado no Jornal das Lajes, fevereiro de 2016)